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{"title":"Revista Threaded: Adotando uma abordagem culturalmente conectada","authors":"Fiona Grieve, Kyra Clarke","doi":"10.24135/link2021.v2i1.62.g52","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.62.g52","url":null,"abstract":"Já se passaram dez anos desde que o conceito de Plataforma de Publicação foi publicado na edição especial do Scope Journal ISSN (versão on-line; 1177-5661). O termo “Plataforma de Publicação” foi introduzido no relatório de prática O Site de Publicação na Prática Contemporânea. Este artigo pesquisou uma série de projetos de publicação analisando modelos editoriais distintos como locais para discussão, colaboração, apresentação de prática e reflexão. Neste contexto, o termo “Plataforma de Publicação” é empregado para descrever um espaço para uma série de modos editoriais distintos. A plataforma considera o impresso como espaço de diversidade de discursos e disseminação de ideias, ampliando o significado e as fronteiras da mídia impressa por meio de um espectro de cenários editoriais. A Plataforma de Publicação posiciona os espaços impressos como sites para refletir sobre estruturas editoriais, conteúdo, práticas de design e metodologias colaborativas. Uma das ideias centrais do relatório foi o papel da colaboração para conduzir o conteúdo, examinando como as relações criativas e a parceria de produção de mídia afetam a prática editorial e os resultados do design. Dez anos depois, a Plataforma de Publicação evoluiu e renovou-se com projetos de publicação emergentes, para incorporar um espectro de prática responsiva à comunidade, experimentação, interdisciplinaridade, conexão crítica, criatividade, produção cultural, artes contemporâneas e discurso artesanal. Este artigo apresenta um estudo de caso da “Threaded Magazine” como um projeto editorial e o papel de sua abordagem culturalmente conectada. Este estudo usa o termo “abordagem culturalmente conectada” para enquadrar como a Threaded Magazine incorpora, como uma base orientadora para cada edição, os três princípios de Te Tiriti o Waitangi: participação, proteção e parceria. Esta apresentação reflete sobre como estes princípios se conectam a quem a Threaded Magazine é coletivamente, como editores e designers, e é determinada por quem nos associamos, fazemos parceria e colaboramos. Um fator-chave que influenciou a Threaded Magazine a adotar uma abordagem mais culturalmente conectada surgiu com o convite para participar da publicação internacional intitulada Projeto 16/2, encomendada pela Fedrigoni Papers para a Feira do Livro de Frankfurt, na Alemanha. O Projeto 16/2 criou uma oportunidade para um processo de autodescoberta editorial. Esta trajetória traduziu a tradição da narrativa oral para a linguagem gráfica, transmitindo a essência (te ihi) de quem éramos. A visualidade e tato da mídia impressa definiu um formato para para a Threaded Magazine se concentrar na herança cultural, tradições originais e narrativas de Aotearoa. Este artigo apresenta uma visão geral da introdução de um kaupapa para a edição 20, a edição de “Novos Começos” e o processo de adesão a tikanga Māori e Mātauranga Māori, enquanto estabelece um kawa editorial específico (protocolo) para a publicação. A influência e colaboraçã","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"76 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"117155925","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Biointerfaces inteligentes aplicadas ao monitoramento e comunicação homeodinâmica entre o ambiente hospitalar e a equipe de enfermagem do CAISM-UNICAMP","authors":"L. Baisch, Rachel Zuanon","doi":"10.24135/link2021.v2i1.136.g262","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.136.g262","url":null,"abstract":"A pesquisa visa evidenciar as conexões entre os campos científicos da Arquitetura e das Neurociências Cognitivas e Comportamentais, para analisar as relações entre o ambiente hospitalar e o corpo humano. O estudo tem como foco as profissionais de enfermagem do Centro de Atenção Integral à Mulher (CAISM-UNICAMP) e, neste contexto, articula a produção de estímulos somatossensoriais, o monitoramento dos sinais vitais e o monitoramento dos dados do ambiente hospitalar. Assim, avança para a integração e visualização destes dados em uma plataforma Building Information Modeling (BIM). Portanto, a relação entre os estímulos somatossensoriais, o desempenho de fatores ambientais e o equilíbrio homeodinâmico do corpo desses profissionais é investigada diante das sobrecargas cotidianas — sejam elas físicas ou mentais — em ambientes hospitalares, que se tornam ainda mais intensificadas pelos impactos da Pandemia de COVID-19. A pesquisa é sustentada, principalmente, por referências disponíveis apenas na língua inglesa, o que reforça sua relevância para o cenário nacional e internacional da língua portuguesa. Os estudos sobre os avanços do BIM em Eastmann et al. [1] pesquisam sobre o estágio Facility Manager (FM), ou seja, a manutenção do prédio. Como o modelo BIM armazena informações do ambiente hospitalar, também pode receber informações do corpo humano dos profissionais de enfermagem. Assim, os dados analíticos podem ser visualizados na plataforma, pois o BIM pode comunicar dados numéricos e em tempo real, que podem ser visualizados em uma plataforma on-line. A metodologia de pesquisa compreende uma abordagem transdisciplinar baseada no conceito de Ambientes e Produtos Homeodinâmicos [2] e nas bases teóricas das Neurociências Cognitivas e Comportamentais, especialmente na perspectiva do conceito de homeostase biológica, e Arquitetura com ênfase na Modelagem da Informação da Construção tecnologia. Além disso, esta pesquisa é baseada no Design Science Research; e na criação de artefatos para a construção de um dispositivo com a intenção de resolver um problema específico, envolve, também, a pesquisa de campo voltada para a aplicação de um protocolo experimental, bem como a sistematização, análise e interpretação de todos os dados recolhidos, com vista ao desenvolvimento de um sistema tecnológico integrado, orientado para a homeostase biológica dos profissionais de enfermagem em cenários pandêmicos e pós-pandêmicos da COVID-19. Assim, a investigação também é orientada para a prática, o que permite ao investigador desenvolver, aplicar e comunicar conhecimentos originais, em contextos nacionais e internacionais, com implicações diretas na produção de artefatos (software e hardware) e na criação de novos processos tecnológicos.","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"152 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"115817787","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"‘Asi - La presencia de lo invisible","authors":"Cecelia Faumuina","doi":"10.24135/link2021.v2i1.110.g165","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.110.g165","url":null,"abstract":"En 1993, Wolfgramm se refirió al clímax en faiva como ‘asi (la presencia de lo invisible). Este espíritu de expresión artística es un agente que a veces se relaciona con la gente de Oceanía trabaja en conjunto para llevar las obras artísticas a su apoteosis. La pregunta de esta tesis es: “¿Qué ocurre cuando los jóvenes de Oceanía trabajan juntos de manera creativa en un grupo, basándose en valores de su herencia cultural como la reciprocidad y la interdependencia, para crear una faiva significativa? La tesis busca comprender cómo, dentro de este proceso, “se puede generar así un poderoso sentido de expresión arraigado en una relación entre la participación y el sentido de pertenencia”. Emanando de una consideración crítica de faiva y ‘asi, la investigación considera la dinámica del desarrollo y el desempeño colectivos. El video, la grabación de sonido, el dibujo, la fotografía, la poesía, la performance y la talanoa (conversaciones cotidianas donde las personas involucradas comparten sus vivencias personales) se recogen y analizan a través de un proceso de reflexión artística y analítica. Como indagación artística, la investigación considera dos cuerpos de trabajo. El primero es un trabajo co-creado llamado Lila. Este fue desarrollado por un equipo de participantes de la investigación que combinó talentos y experiencias para producir una faiva (performance) para su presentación en 2019. La segunda es el desarrollo y desempeño de la experiencia del investigador y la síntesis del pensamiento en una segunda faiva contemporánea llamada FAIVA | FAI VĀ. Esto se presenta como parte del examen de esta tesis. Emanando de la perspectiva de un maestro que ha trabajado con estudiantes durante más de 20 años, el trabajo emplea poesía oral, sonido, dibujo, diseño de video e interpretación. Estos elementos entrelazan la reflexión autobiográfica y los retratos poéticos para reflexionar sobre la naturaleza y la agencia de ‘asi. La importancia de la investigación radica en su contribución a la comprensión de ‘asi, de manera que podamos identificar y considerar su agencia potencial para la creación de recursos y la pertenencia al desarrollo y desempeño de la faiva contemporánea. En esta presentación, el autor proseguirá a: - Resumir qué es ‘asi en relación con mi estudio - Explicar qué son faiva y fai vā en relación con mi estudio - Discutir la metodología utilizada - Considerar los hallazgos de la primera faiva dirigida por un estudiante -Considerar los hallazgos de la faiva colaborativa para mi pieza final - Discutir los beneficios para los jóvenes oceánicos en el futuro, en relación con la identidad, la pertenencia y el bienestar. Dada la naturaleza de la tesis, recurro a varios idiomas. Más allá del inglés, los dos más comunes son el tongano y el samoano (en parte porque son los idiomas de mis padres y dominantes entre los jóvenes de Oceanía con los que trabajo).","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"1 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"128707199","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Diseño Sensorial aplicado a la enseñanza-aprendizaje en Dibujo Artístico","authors":"Lara D. Balaminutti, Rachel Zuanon","doi":"10.24135/link2021.v2i1.133.g255","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.133.g255","url":null,"abstract":"La presente investigación se centra en el enfoque del Diseño Sensorial aplicado a la enseñanza-aprendizaje del dibujo artístico. El Diseño Sensorial está subvencionado por el método VER MÁS ALLÁ [1-4], el cual se basa en estudios de neurociencia cognitivo-conductual y neuroeducación para desarrollar y aplicar recursos didáctico-pedagógicos y didáctico-andragógicos dirigidos a la enseñanza y el aprendizaje del Diseño por parte de estudiantes con y sin discapacidad visual. En el enfoque del Diseño Sensorial, la práctica del dibujo se entiende como un elemento intrínseco a los mecanismos mentales del ser humano y que actúa en su evolución sensoriomotora, cognitiva y conductual. Esto se debe a que, a través de las líneas, texturas, colores y demás elementos compositivos presentes en la práctica del dibujo, es posible elaborar o expresar afectos y materializar emociones, sensaciones y pensamientos, que se experimentan en la mente y se sienten en el cuerpo en su conjunto. Desde este entendimiento, el acercamiento entre los campos del dibujo artístico y la neurociencia cognitivo-conductual es evidente. En el contexto de la educación superior, específicamente en Artes Visuales, la cooperación entre los campos del dibujo, la neurociencia y la neuroeducación se muestra capaz de dotar a los educadores de prácticas pedagógicas que contribuyan a la formación de artistas contemporáneos, especialmente en lo que respecta al logro de una expresión de proyecto poético-artístico y autoral. Las actividades realizadas desde el enfoque práctico del Diseño Sensorial buscan cuestionar el protagonismo de la visión, sensibilizando y potenciando los demás sentidos. En este proceso, el oído, el gusto, el olfato y el tacto también cobran protagonismo en la formación de imágenes mentales, a diferencia de otros métodos de enseñanza-aprendizaje en los que este protagonismo se centra únicamente en la visión. El enfoque del Diseño Sensorial se desarrolla en el contexto de la educación superior en Artes Visuales y se aplica a las disciplinas de Dibujo Artístico I y II, que forman parte del plan de estudios de la carrera de Artes Visuales de la Universidad de Campinas (Unicamp) desde 2019. A través de la estimulación somatosensorial y sensoriomotora de los estudiantes, las clases abordan varios ejes temáticos fundamentales para el campo de la práctica del dibujo artístico, que están en la base de la mayoría de los programas de enseñanza del dibujo artístico en Brasil. Por ejemplo: línea, contorno y relleno, figura y fondo, movimiento y ritmo. A partir de esta estimulación global de los sentidos, se anima a los estudiantes a ampliar sus límites perceptivos y sus procesos creativos, al mismo tiempo que amplían sus repertorios sensoriales. Además, el enfoque del Diseño Sensorial corrobora la ruptura de patrones compositivos visuales preestablecidos y, en consecuencia, el alcance de una expresividad poético-artística autoral. Es importante resaltar que en el período previo a la pandemi","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"72 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"127357234","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Líneas que dibujan ideas","authors":"Márcio Lins de Carvalho","doi":"10.24135/link2021.v2i1.103.g147","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.103.g147","url":null,"abstract":"El ensayo en cuestión trae imágenes que fueron creadas durante el proceso de desarrollo de la tesis de este autor, realizadas para componer un juego electrónico a partir de una investigación de doctorado/PhD. Esta pieza es el resultado de las lecturas y ejercicios sobre las reflexiones de Aby Warburg acerca de la supervivencia de las imágenes a través de su anacronía y sus interrelaciones intuitivas (pathosformel), fuertemente influenciado por su proyecto Atlas Mnemosine, donde recoge varias y diferentes imágenes de diversas épocas y las organiza en tableros, los que Warburg asume como elementos que hablan de algunos temas (en este caso, sobre el Renacimiento, tema constante en su investigación). Esta capacidad de “hablar de” es considerada por el historiador/teórico similar a un texto. Más que palabras, imágenes, gramática y estética, los requisitos para interpretar los tableros deben ser otros, más profundos, que exijan más audacia y contexto. Entonces, entendiendo las reflexiones de Warburg como un método de lectura e interpretación de imágenes y sus contextos, comencé a organizar las imágenes que fotografío en mi vida diaria o que encuentro con diferentes medios, y que, intuitivamente, me di cuenta que tienen una esencia común: mi región (amazónica). Comencé a redibujarlos usando una técnica de sombreado, a veces colocándolos en mapas o reforzando alguna característica que pudiera referirse a dibujos cartográficos antiguos. Esos dibujos se construyen en una interrelación estético-intuitiva entre sí, basados en la región amazónica, en una colección de imágenes improbables frente al estereotipo de bosque y río, sin desconocerlo, siendo solo un punto de partida para la reflexión sobre un conversación propuesta por las imágenes. ¿Se puede relacionar una imagen urbana con el bosque? ¿Es una buena o una mala relación? Cualquiera sea la relación, ¿sería buena o mala para quién? ¿Qué tenemos del bosque en lo urbano y viceversa? ¿Dónde está el conflicto y dónde está la simbiosis? Las imágenes, a diferencia de los textos, son mejores para suscitar preguntas. Donde algunos pueden ver confusión ante la “libertad de interpretación” que nos proponen las imágenes, otros, mejor equipados (o simplemente audaces), ven en esta libertad la oportunidad de construcción de un conocimiento profundo, más ligado al sentimiento (pathos). No es simplemente “leer” algo de la imagen, sino “sentirlo”. El proceso de captura, curaduría, dibujo y presentación de las imágenes conlleva una gran cantidad de reflexiones para el autor de esta obra y espera que surjan otras reflexiones de quienes se enfrentan a tales imágenes, permitiendo no solo la libre interpretación de las obras individuales, sino también el orden en que se presentan, explorando así un mayor potencial de preguntas, sentimientos e interpretaciones.","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"16 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"125358767","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"O MASP online: as estratégias educacionais do museu na pandemia","authors":"A. Canto, Ana Helena da Silva Delfino Duarte","doi":"10.24135/link2021.v2i1.69.g64","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.69.g64","url":null,"abstract":"Este artigo tem como objetivo compartilhar a atual pesquisa de mestrado vinculada ao Programa de Pós-Graduação em Museologia da Universidade Federal da Bahia (PPGMuseu / UFBA) orientada pela Doutora Ana Helena da S. Duarte. Em nossa pesquisa investigamos a ação de mediação cultural proposta e realizada pelo Museu de Arte de São Paulo - MASP durante a pandemia COVID-19. Nas redes sociais, em especial no Instagram, este Museu intercambiou e instigou seu público a aprender, interagir e produzir com objetos de arte de seu acervo. Através de estratégias educacionais, consideramos a Abordagem Triangular e o Museu Educacional Online como alicerce deste seu percurso. A investigação persegue e explora as estratégias educacionais elaboradas e realizadas pelo MASP para o seu público no espaço virtual, ou seja, na modalidade online. As teorias que referenciam nossa base estão alicerçadas a partir de três eixos fundamentais: a Teoria Educacional de Paulo Freire (educador e filósofo brasileiro), e sua influência no Museu da Educação Brasileira; a Abordagem Triangular, proposta por Ana Mae Barbosa (educadora, pioneira na arte-educação); e a Teoria Semiótica greimasiana (no estudo da relação entre planos de texto circunscritos através das línguas, proposta Algirdas Julien Greimas, e que possibilitou, no escopo desta pesquisa, a investigação dos textos). Combinados, estes eixos trazem à tona a análise da produção de sentido do público do MASP, por meio da Mediação Cultural em constante diálogo com o conceito de Museu Educacional Online (OEM) - proposto por Frieda Marti (Doutora em Educação pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro - PROPED / UERJ). O procedimento metodológico da pesquisa é baseado na abordagem teórica e bibliográfica (instrumentalização teórica dos conceitos para a pesquisa) e na investigação analítica em um estudo de caso (a análise dos discursos da Mediação Cultural Online do MASP durante a pandemia). Como objetivo geral, busca-se estabelecer uma relação entre as ações educativas e as estratégias metodológicas em Mediação Cultural Online desenvolvidas pelo MASP, mediadas pela análise da produção feita para o público neste processo, assumido a ação no virtual como contribuição para o Museu da Educação Brasileira no contexto da pandemia e isolamento social – durante o período de março de 2020 a agosto de 2021. Para tanto, nosso problema de pesquisa é pensar o Museu da Educação na pandemia. Nosso caminho é, portanto, no sentido de refletir e criar um ambiente saudável para debater o Museu da Educação no contexto de pandemia e isolamento social no Brasil.","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"11 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"114020334","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Bio esboços: Um processo iterativo que permite reconhecer, extrair e adaptar as características essenciais dos modelos biológicos","authors":"Camilo Angulo","doi":"10.24135/link2021.v2i1.76.g37","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.76.g37","url":null,"abstract":"Processos de ideação inspirados em modelos biológicos são uma das metodologias que os professores implementam no estúdio de design do primeiro ano, a partir de uma abordagem interdisciplinar que permite combinar métodos de design e biologia, com o propósito de que os alunos adquiram a capacidade de reconhecer e compreender estruturas da natureza que facilitam o desenho de conceitos e formas em seus esboços. Além de criar ideias, esta metodologia nos permite reajustar a relação entre o mundo artificial criado pelo ser humano e seu ambiente natural. Com o objetivo de que os alunos possam refinar os padrões estruturais da Natureza através de um processo cíclico de desenho de esboços, propomos trabalhar um modelo de iteração incremental em três etapas, onde são desenvolvidos diferentes níveis de pensamento que, ao final do processo de ideação, conduzem à solução de um projeto com altos níveis de inovação e sustentabilidade (Benyus, 1997; Arciszewski e Cornell, 2006; Nagel et al., 2018). O primeiro loop de iteração dos bio esboços tem um baixo nível de abstração, onde os desenhos são elementares e se limitam a imitar a forma direta e superficial, usando imagens de referência. Na Natureza, é encontrada como uma estratégia evolutiva conhecida como mimetismo, que, ao copiar algumas características, aumenta as chances de sobrevivência. Inclui o estudo de categorias da morfologia em termos de forma, geometria e contornos dos organismos vivos. O segundo loop de iteração dos bio esboços tem um nível de abstração médio; estuda os processos em contexto, como um estado de mudanças no ambiente físico, no qual uma série de elementos se inter-relacionam. Na Natureza, ela é encontrada como o princípio biológico de adaptação. Inclui o estudo de categorias de comportamento em termos de processos de resposta a estímulos. O terceiro loop de iteração dos bio esboços tem um alto nível de abstração, que busca novos conhecimentos a partir de uma compreensão profunda para imitar os sistemas, princípios e estratégias ou padrões, que, na Natureza, são encontrados como o princípio biológico da mutação. Inclui o estudo de categorias da fisiologia em termos de funções de sistemas vivos, subsistemas e suas partes. Por outro lado, a estratégia que usamos para alcançar uma abordagem de design inspirada biologicamente por problemas é contrária à formulação tradicional em projetos de design que começam a partir de um briefing, com um problema de design claramente definido. Tudo começa a partir de algumas soluções biológicas já existentes, das quais um princípio útil é extraído em qualquer uma de suas escalas (célula, tecido, órgão, sistema), com o qual a Natureza conseguiu cumprir uma tarefa (Wiltschnig et al. 2013) e, posteriormente, um processo de busca de um problema de projeto é realizado, ao qual este princípio pode ser aplicado com precisão.","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"32 17","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"114048587","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Tornando-se meio ambiente_tornando-se pós-animista: A vida é uma utopia","authors":"Carlos Eduardo Tsuda","doi":"10.24135/link2021.v2i1.158.g331","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.158.g331","url":null,"abstract":"Neste artigo, apresento estudos de caso das intervenções urbanas, instalações e performances para o espaço público da minha série de arte intitulada “A vida é uma Utopia”. “Life is an Utopia” é uma pesquisa artística e uma série de obras de arte que visa discutir questões sociais-políticas-ambientais-culturais contemporâneas por meio de uma perspectiva estética e práticas poéticas. Propõe um exercício crítico de cruzamento de fronteiras entre arte sonora, performance audiovisual, performance, instalação e intervenção urbana, que questiona a crescente desvalorização da vida face ao mercado financeiro, manifestada nas recentes catástrofes ambientais e no desmantelamento sistemático dos direitos sociais e humanos no Brasil. A partir de proposições de contraposição entre o embotamento e o contemplativo, na série a artista explora o termo cultural japonês “Ma” como uma abertura ao ambiente, a tudo que nos rodeia e não controlamos, propondo uma visão crítica do sistema através de uma perspectiva resiliente. À luz de autores de diferentes modalidades disciplinares, pratico a investigação interdisciplinar e descentralizada, hibridizando diferentes formas de produção de conhecimento através do diálogo entre a investigação teórica e a prática artística. Apresento os conceitos de tornar-se meio ambiente e tornar-se pós-animista como formas de montagens poéticas e estéticas da vida pública e suas inúmeras implicações sócio-político-ambientais na relação entre humanidade e Natureza, sociedade e espiritualidade, corpo e alma e comunidade, espiritualidade e Natureza. Com base no conceito de pós-animismo ou animismo pós-moderno, do sociólogo japonês Shoko Yoneyama, e nas perspectivas cosmológicas e animistas dos intelectuais indígenas brasileiros Ailton Krenak e Davi Kopenawa, pretendo problematizar etapas do processo criativo das obras e sua relação com a vida pública, no que diz respeito às formas de interação e participação pública, às mudanças perceptivas do espectador e à transformação das estruturas de relacionamento e estratos sociais estabelecidos no espaço. Num sentido macro, abordarei as inúmeras modalidades do experimentalismo sócio-político-artístico e do silêncio como forma de resistência e resiliência política. Neste contexto, processos criativos envolvendo a construção de redes de interatividade, a criação de redes de ativação temporária, o desenvolvimento e promoção de processos de negociação de curto, médio e longo prazos, o desenvolvimento de processos de subversão, hacking, infiltração e contaminação, a criação de sensações e distorções temporais e espaciais, e as transformações afetivas das relações interpessoais e sociais.","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"89 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"124207647","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"O contexto de pesquisa do GIIP – Grupo Internacional e Interinstitucional de Pesquisa em Arte, Ciência e Tecnologia","authors":"Fernanda Duarte, Rosangella Leote, Rodrigo Dorta Marques, R. Rezende","doi":"10.24135/link2021.v2i1.134.g259","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.134.g259","url":null,"abstract":"Esta pesquisa tem como foco a história e os desenvolvimentos atuais das Zonas de Compensação, projeto em andamento da UNESP, Brasil, que visa promover o conhecimento artístico e científico. O projeto teve início em 2011 e está estruturado em encontros periódicos, workshops e exposições realizadas ao longo do ano. Os workshops enfocam a aplicação de metodologias científicas e tecnológicas para criar novas obras de arte e projetos relacionados. No espírito de um ambiente de aprendizagem colaborativa, horizontal e criativo, o projeto está aberto a todos os tipos de alunos, desde graduandos a doutorados, e também a artistas externos, sem distinção de idade, nível de bolsa, nacionalidade ou reconhecimento público. Para participar da exposição anual Zonas de Compensação, o único pré-requisito é a participação em qualquer uma das atividades do projeto durante o ano. As atividades acontecem no Laboratório de Arte, Ciência e Tecnologia do Instituto de Artes da UNESP, e também são realizadas remotamente para acomodar a participação de todos os membros. Durante este período de existência, o projeto passou por mudanças e adaptações — em 2020, pela primeira vez, a exposição anual foi realizada on-line, devido às restrições de distanciamento social. O processo foi de adaptação, já que o evento anual, até então, acontecia no campus do Instituto de Arte da UNESP, incluindo palestras de artistas, apresentações e também a galeria. Esta nova abordagem traz novos desafios e oportunidades; neste artigo, exploramos algumas das experiências no desenvolvimento e produção da galeria virtual, que, até então, teve duas edições. Inicialmente, a principal preocupação era recriar a experiência da galeria física, uma vez que, entre outros fatores, o processo de produção da exposição estava em andamento quando do bloqueio pandêmico inicial. Durante essa experiência, desenvolvemos formas inovadoras de explorar este espaço digital, implementando novas ideias sobre como fazer uma galeria de arte. Devido à natureza digital desta nova galeria, as limitações físicas deram lugar a preocupações com a acessibilidade, e os problemas de produção tornaram-se desafios de programação. Os conhecimentos adquiridos ao se construir a galeria 2020 influenciaram as decisões e o planejamento da edição de 2021, na qual alteramos parte da experiência e da interface do usuário para promover um espaço imersivo e não tradicional para a exposição, renderizado em um ambiente totalmente 3D. Neste artigo, pretendemos percorrer alguns dos processos de decisão, desenvolvimento e produção de ambas as galerias virtuais, os desafios e soluções alcançados pela equipe ao trabalhar no festival anual Zonas de Compensação, com enfoque nestes últimos (7,9 e 8.0).","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"51 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"124259961","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Nuevo diseño transmedia para festivales de cine tradicionales","authors":"A. Fischer","doi":"10.24135/link2021.v2i1.121.g195","DOIUrl":"https://doi.org/10.24135/link2021.v2i1.121.g195","url":null,"abstract":"El proceso de transformaciones disruptivas en el sector audiovisual se aceleró inesperadamente después de la pandemia del covid-19. Esto provocó un reordenamiento en la cadena de distribución, exhibición y circulación, reestructurando así todo el diseño de los festivales de cine, una vez considerado el punto de lanzamiento de toda esta industria y fuertemente basado en ubicaciones físicas específicas. El streaming se ha convertido en la principal forma de distribución de contenido de imagen y sonido. El entretenimiento se volvió multiplataforma e interactivo, cambiando la forma en que se estructuran las narrativas y estos contenidos se producen y consumen. La convergencia de los medios hizo borrosos los límites entre lo que convencionalmente se llama video, cine, teatro y performance. El proceso de plataformización cambió permanentemente el modelo tradicional de distribución audiovisual, dotación de personal y comisariado de festivales, que se someten a una operación de hibridación que permite el uso potencial de recursos interactivos y la entrega en línea de películas, obras de teatro y representaciones a audiencias de todo el mundo. Para comprender el potencial de las transformaciones, este estudio investiga en profundidad la experiencia del Festival MixBrasil, el evento cultural LGBTQIA+ más grande de América Latina, creado por mí en 1993, mostrando múltiples formatos y técnicas (cine, teatro, música y literatura). Con contenido digital en programación desde 2018, en 2020 amplió su exhibición en línea a cuatro plataformas digitales diferentes. El estudio se lleva a cabo de manera concurrente con el seguimiento de MixBrasil y otros festivales de cine realizados en Brasil, considerando qué estrategias se están adoptando y cómo se destacarán como innovadoras, o simplemente réplicas del modelo tradicional de cine. También busca identificar procesos, caminos y perspectivas para el sector, considerando que la antigua plantilla de lanzamiento de películas utilizada desde la década de 1950 podría no ser aplicable al estado actual de la industria, hechos y tendencias que están obligando a estos eventos a afrontar una crisis de identidad y cuestionando la viabilidad de un circuito (aún) prestigioso. La plataformización implica la adopción de funcionalidades online integradas a nivel económico y de infraestructura, lo que incide de lleno en las estrategias de organización de los festivales. Por lo tanto, se avanza en un cambio en la forma de pensar el lugar de los festivales de cine en la cadena de la industria, como un posible espacio de captura de datos del público para apoyar futuras curadurías y acciones permanentes que los harían más dinámicos y relevantes. Asociado a este proceso está la noción de economía de la atención y la reorientación de los usuarios como productores activos de cultura, en la forma en que pueden incidir en el futuro híbrido de los festivales. Las métricas utilizadas de forma recurrente, como las tasas de compromiso, geolocaliz","PeriodicalId":340269,"journal":{"name":"LINK 2021 Conference Proceedings","volume":"1 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"122044307","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}