Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques最新文献_第5页

Femmes, nation et nature dans le cinéma québécois by Par Julie Ravary-Pilon (review) 魁北克电影中的女性、国家和自然朱莉·拉瓦里-皮隆(评论)

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-12-01 DOI: 10.3138/cjfs-2020-0029

Compte Rendu Par Dominique Hétu

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À la mémoire d’Yves Lever 为了纪念伊夫·利弗

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-12-01 DOI: 10.3138/cjfs-2020-0045

Germain Laçasse

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Entre Prized Content et Lesbian Multicasting : étude comparative entre la saison 1 et la saison 2 de la série web québécoise Féminin/Féminin 在获奖内容和女同性恋多播之间:魁北克网络剧feminin / feminin第一季和第二季的比较研究

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-12-01 DOI: 10.3138/cjfs-2019-0031

Julie Ravary-Pilon

{"title":"Entre Prized Content et Lesbian Multicasting : étude comparative entre la saison 1 et la saison 2 de la série web québécoise Féminin/Féminin","authors":"Julie Ravary-Pilon","doi":"10.3138/cjfs-2019-0031","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs-2019-0031","url":null,"abstract":"Abstract:This article seeks to place the Féminin/Féminin web series (Chloé Robichaud, 2014 and 2018) within the Quebec media ecosystem and to think, through this case study, of the potential of the web as a platform for the dissemination of queer serial fiction written, directed, and produced by women in Quebec. This study examines more specifically the formal and discursive implications in Robichaud’s work between a first season that was produced for the independent community website Lez Spread the Word (LSTW) and a second season that was broadcast on the largest digital broadcasting platform in Quebec – Tou.tv. The visibility of a multiplicity of queer subjectivities certainly made history in Quebec television. However, by paying particular attention to the production budgets of seasons 1 and 2 as well as to their distribution space and by carrying out a comparative analysis of the narrative structures and images of lesbian characters in seasons 1 and 2 through the lens of the Queer Art of Failure (Halberstam), this article gives a better understanding of the programming of this series as “prized content” (Lotz) for season 1 and as “lesbian multicasting” (Himberg) for season 2. The study of this first queer Quebec television fiction makes an inventory of the post-network era in Quebec possible. This era, through its explosion of audiences, would promise more diverse and inclusive television for marginalized identities.Résumé:Cet article vise à situer la série web Féminin/Féminin (Chloé Robichaud, 2014 et 2018) dans l’écosystème médiatique québécois et de penser, par ce cas d’étude, les conceptions et potentiels du web comme plateforme de diffusion de fictions sérielles queers, écrites, réalisées et produites par des femmes au Québec. Cette étude examine plus précisément les implications formelles et discursives adoptées par Robichaud entre une première saison produite pour le site indépendant communautaire Lez Spread the Word (LSTW) et une deuxième saison diffusée sur la plus grande plate-forme de diffusion numérique au Québec, Tou.tv. La mise en visibilité d’une multiplicité de subjectivités queer fait certes époque dans l’histoire des récits télévisuels au Québec. Or, en portant une attention particulière au financement des productions de la saison 1 et de la saison 2 ainsi qu’à leur espace de diffusion et en effectuant une analyse comparative des structures narratives télévisuelles et des mises en images de personnages lesbiens de la saison 1 et de la saison 2 de Féminin/Féminin mise au contact de la pensée du Queer Art of Failure (Halberstam), cet article permet une meilleure compréhension de la programmation de cette série comme prized content (Lotz) pour la saison 1 sur LSTW et comme lesbian multicasting (Himberg) pour la saison 2 diffusée sur Tou.tv. L’étude de cette première fiction télévisuelle queer québécoise rend possible un état des lieux de la post-network era au Québec qui par son éclatement des publics promettrait une télévision","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"12 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-12-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"133444555","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

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Introduction: Reflections on the World Cinema Turn 导言:对世界电影转向的思考

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-12-01 DOI: 10.3138/cjfs-2020-0003

David Richler

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Les archives à l’épreuve du temps : les recadrements temporels des courts métrages de la série Souvenir 经得起时间考验的档案:纪念品系列短片的时间重构

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.05

Isabella Huberman

{"title":"Les archives à l’épreuve du temps : les recadrements temporels des courts métrages de la série Souvenir","authors":"Isabella Huberman","doi":"10.3138/cjfs.29.1.05","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.05","url":null,"abstract":"Abstract:This article examines how “colonial time” is called into question in two short films of the National Film Board of Canada’s series Souvenir, from 2015. The question of time lies at the heart of this series, for which the NFB commissioned contemporary Indigenous filmmakers to take up their archives of visual material on Indigenous peoples. The colonial temporal framework is at work in the vast archives of ethnographic and documentary film and photography on Indigenous peoples dating back to the early twentieth century, in which Indigenous people are often represented as part of “vanishing” cultures. Thus, in this article, I underscore the temporal interruptions that occur when ethnographic visual material of Indigenous peoples is put into the hands of contemporary Indigenous artists. I focus first on what it means to repurpose dehumanizing colonial archives and ask whether visual sovereignty is in fact possible within the archives. By analyzing the reappropriation of archival footage in the short films Mobilize by Caroline Monnet and Etlinisigu’niet (Bleed Down) by Jeff Barnaby, I elucidate how the filmmakers break with modes of colonial time through what I propose to call “reframings” that offer alternative ways of conceiving of time. By rehabilitating ethnographic images, these film-makers refuse to project the material into the distant past and complicate the readability of Indigenous images in the archives, revealing how the reappropriation of old images can be just as powerful as the production of new ones.Résumé:Cet article examine la façon dont le « temps colonial » est mis en question dans deux courts métrages de la série Souvenir de l’Office national du film du Canada (ONF), paru en 2015. La question du temps est au cœur de la série, pour laquelle l’ONF a mandaté des artistes autochtones contemporains de revisiter le matériel visuel sur les peuples autochtones dans leurs archives. Le cadre temporel colonial est à l’œuvre dans les vastes archives de cinéma et de photographies ethnographiques et documentaires sur les peuples autochtones développées depuis le début du vingtième siècle, où les Autoch-tones sont souvent représentés comme faisant partie de cultures en voie de disparition. Dans cet article, je souligne les interruptions temporelles qui se produisent lorsque le matériel de films ethnographiques sur les peuples autochtones revient dans les mains de l’artiste autochtone d’aujourd’hui. Je m’attarde d’abord à la signifiance de la réappropriation des archives coloniales déshumanisantes et j’interroge la possibilité de la souveraineté visuelle dans les archives. En analysant la réappropriation des films des archives dans les courts métrages Mobiliser de Caroline Monnet et Etlinisigu’niet (Vidés de leur sang) de Jeff Barnaby, j’élucide comment les cinéastes font se disloquer le temps colonial à travers ce que je propose d’appeler des « recadrements » qui offrent des façons alternatives de concevoir le temps. Dans leur réhabilit","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"81 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"122890605","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

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Cinémas et médias autochtones dans les Amériques : récits, communautés et souverainetés 美洲土著电影和媒体:故事、社区和主权

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.01

André Dudemaine, G. Marcoux, Isabelle St-Amand

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Haerenga Wairua: Spirit(ual) Journeys in Twenty-First-Century Māori Cinema Haerenga Wairua: 21世纪的精神之旅Māori电影

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.07

Deborah Walker-Morrison

{"title":"Haerenga Wairua: Spirit(ual) Journeys in Twenty-First-Century Māori Cinema","authors":"Deborah Walker-Morrison","doi":"10.3138/cjfs.29.1.07","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.07","url":null,"abstract":"Résumé:Haerenga Wairua / Spiritual Journeys explore le cinéma maori en tant que 4e cinéma, dans son articulation de la spiritualité maorie comme un ensemble de croyances et de pratiques vivantes et d’une grande pertinence pour ce XXIe siècle. Après une brève description des termes et croyances clés, l’auteure analyse deux longs-métrages de fiction récents, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, scr Briar Grace-Smith, NZ & Allemagne 2009) et The Pā Boys (Himiona Grace, NZ, 2014) comme emblématiques des pratiques cinématographiques autochtones, en ce qu’ils mettent fortement en avant différents niveaux et expériences de transformation spirituelle, via divers voyages au propre comme au figuré : voyages réels, voyages psychologiques ET expériences après la mort, donc voyages spirituels. Positionnant ces films dans le contexte des traditions spirituelles de narration littéraire et cinématographique, l’auteure explore les diverses techniques filmiques et cinématographiques mises en œuvre pour rendre l’expérience spirituelle, via le son et l’image, en mettant en évidence les liens avec la Terre, l’Eau et l’environnement naturel en tant qu’éléments spirituels et souvent surnaturels. Alors que ces derniers sont généralement interprétés par les critiques et chercheurs allochtones comme étant de l’ordre du fantastique, dans le discours établi du réalisme magique, l’auteure avance plutôt que les représentations autochtones ne peuvent être ni expliquées ni contenues de manière adéquate par ce terme, et propose à sa place celui de « réalisme spirituel autochtone ». L’auteure conclut en soulignant la pertinence de voix autochtones comme celles-là, qui expriment une spiritualité enracinée dans l’interdépendance de tous êtres et de toutes choses : force de guérison dans notre planète meurtrie.Abstract:This article examines how Māori cinema, as Indigenous Fourth Cinema, articulates Māori spirituality as a living, evolving set of beliefs and practices of particular relevance to the twenty-first century. After briefly describing key Māori spiritual terms and beliefs, I focus discussion on two recent first features, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, 2009) and The Pā Boys (Himiona Grace, 2014). I read these films as emblematic of Indigenous film practice in strongly foregrounding different levels and experiences of spiritual transformation: via both literal travel and/or metaphorical, psychological journeys and after-death experiences or spirit journeys. I explore how both films engage with our spiritual storytelling and filmmaking traditions, and analyze ways in which spiritual experience is rendered cinematically, via sound and image, particularly by foregrounding links to land, water, and the natural environment as spiritual and often supernatural elements. While the latter are generally interpreted by non-Indigenous analysts as fantastical, within the established discourse of magic realism, I suggest rather that Indigenous representations cannot be ad","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"1 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"124932931","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

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Indigenous Cinema and Media in the Americas: Storytelling, Communities, and Sovereignties 美洲土著电影和媒体:讲故事、社区和主权

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.02

André Dudemaine, Gabrielle Marcoux, Isabelle St-Amand

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Tóta Tánon Ohkwá:ri: A Community-Driven Production and the Renormalization of the Kanien’kéha Language Tóta Tánon ohkw<e:1>:ri:社区驱动的生产和Kanien ' ksamha语言的再规范

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.03

Marion Konwanénhon Delaronde

{"title":"Tóta Tánon Ohkwá:ri: A Community-Driven Production and the Renormalization of the Kanien’kéha Language","authors":"Marion Konwanénhon Delaronde","doi":"10.3138/cjfs.29.1.03","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.03","url":null,"abstract":"Résumé:À travers une description détaillée du processus complexe de production et de création de l’émission de télévision jeunesse Tóta tánon Ohkwá:ri — émission de marionnettes en langue Kanien’kéha —, la réalisatrice Marion Konwanénhon Delaronde se penche sur les nombreux impacts socioculturels positifs qui naissent de cette initiative locale : renormalisation de l’usage de la langue, revitalisation de certains récits, pratiques et épistémologies traditionnelles, réflexions collectives quant aux défis actuels que doivent relever les jeunes de la communauté de Kahnawà:ke, dialogues et rapprochements inter-générationnels, guérison de certains traumas vécus dans les pensionnats autochtones, etc. Œuvrant à partir du Centre linguistique et culturel Kanien’kehá:ka Onkwawén:na Raotitióhkwa (KORLCC), l'auteure effectue une analyse approfondie de sa relation dialogique et constructive avec ses collègues et les publics de tous âges lors de différentes étapes de la réalisation de l’émission. Elle dresse ainsi le portrait des besoins et des forces de sa communauté, tout en situant ses propres prises de conscience personnelles quant à sa relation avec sa culture et son domaine.Abstract:Through a thorough description of the complex production and creative process behind Tóta tánon Ohkwá:ri—a locally televised children’s puppet show in Kanien’kéha—the director Marion Konwanénhon Delaronde reflects upon the many positive sociocultural impacts that stem from this local initiative: a renormalization of the Kanien’kéha language, a revitalization of legends and of traditional practices and epistemologies, collective reflections regarding current challenges that face today’s youth in Kahnawà:ke, intergenerational dialogues and relationships, a healing of certain traumas caused by the residential school system, and so on. Based at the Kanien’kehá: ka Onkwawén:na Raotitióhkwa Language and Cultural Center (KORLCC), the author offers an in-depth analysis of her dialogical and constructive relationships with her colleagues and various members of the public of all ages throughout the stages of the production of the show; she thus provides an overview of her community’s actual needs and strengths, while reflecting on her personal awareness regarding her own relationship with her culture and her field of work.","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"9 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126034750","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

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Inuit Visual and Sensate Sovereignty in Alethea Arnaquq-Baril’s Angry Inuk 在Alethea Arnaquq-Baril的《愤怒的因纽特人》中，因纽特人的视觉和感觉主权

Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques Pub Date : 2020-06-01 DOI: 10.3138/cjfs.29.1.08

J. Burelle

{"title":"Inuit Visual and Sensate Sovereignty in Alethea Arnaquq-Baril’s Angry Inuk","authors":"J. Burelle","doi":"10.3138/cjfs.29.1.08","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.08","url":null,"abstract":"Résumé:L’auteure soutient que le documentaire de 2016 d’Alethea Arnaquq-Baril, Angry Inuk (Inuk en colère), crée, grâce au cinéma, des espaces de « souveraineté visuelle » centrés sur l’« agentivité sensorielle » inuite (Raheja, 2010 ; Robinson, 2016). La réalisatrice propose un recadrage, selon un point de vue inuit, de la rhétorique dominante entourant la chasse aux phoques, pratique décriée violemment par des groupes de défense des droits des animaux. Plus qu’une simple réfutation de ces discours sudistes, ce film met de l’avant les connaissances inuites en lien avec le territoire et la gestion des ressources et remet en question les argumentaires libératoires soutenus par ces organismes, dont les raisonnements reconduisent des dynamiques coloniales plutôt que de les ébranler. Comme l’évoque son titre, le documentaire riposte à l’ire des protestataires anti-chasse aux phoques (dont la voix s’impose souvent au détriment des voix inuites, généralement tues), en créant un espace d’expression pour la colère inuite, présentée à la fois comme carburant et comme point de départ légitime et valide de la lutte contre les organismes en question. De façon centrale, le film met en scène des récits de chasse aux phoques s’appuyant sur une « agentivité sensorielle » inuite qui, aux yeux de Dylan Robinson, se manifeste sous la forme de « modes d’expression qui, à la fois, affirment une force culturelle et exercent une puissance affective auprès des personnes présentes ». Arnaquq-Baril propose ainsi des représentations de rires partagés, d’un froid ressenti, de sons joyeux de consommation communautaire de diverses parties du phoque, de même que des photos tirées de la campagne Twitter menée autour du mot-clic #sealfie ; cette campagne médiatique, ancrée dans une célébration humoristique et fière de la chasse inuite aux phoques, se veut en ce sens un contre-point au discours affectif simpliste et méprisant des organismes anti-chasse. En s’articulant autour de la résilience complexe propre aux Inuits, Inuk en colère incarne en soi une forme de souveraineté inuite, s’imposant au sein des récits qui participent à la sensibilisation du public quant aux enjeux entourant cette chasse. En outre, le film invite l’auditoire à réfléchir aux avenirs autochtones et à envisager de quelles manières l’activisme pour la défense des droits des animaux peut être décolonisé afin qu’il ne mène pas à la reconduction de dynamiques violentes d’extractivisme et de colonisation.Abstract:This article contends that Alethea Arnaquq-Baril’s 2016 documentary film entitled Angry Inuk employs cinema to carve spaces of “visual sovereignty” centred on Inuit “sensory agency” (Michelle Raheja, Dylan Robinson). The film does so by articulating visual counter-narratives that reframe seal hunting, a practice violently decried by Southern animal rights groups, through an Inuit lens. More than a mere rebuttal of Southern anti-sealing rhetoric, the film asserts Inuit knowledge in relation to land and ","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"146 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"116503861","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

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