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{"title":"Una primera aproximación a la figura de Carmen Prada, periodista cinematográfi-ca y empresaria en el Madrid de los años veinte","authors":"Víctor Rivas Morente","doi":"10.15366/SECUENCIAS2017.46.003","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/SECUENCIAS2017.46.003","url":null,"abstract":"The aim of this article is to make Carmen Prada known. A film journalist who wrote in the Madrid press bet­ween 1918 and 1921 under the alias of ‘Duchess Borelli’, Prada will be later the manager of two important ci­nema theatres in the capital. In this text I will focus on her journalistic work. In order to cover all her writings, I have carried out a first reading of her articles and selected the most relevant to make known her insightful and complex knowledge of the cinema of her time. Insightful, because Carmen Prada made use of any press format to promote cinema, from the omnipresent newsletter of those times to the interview or the opinion article, where she demonstrated an extensive knowledge of film. Complex, because in all her writings she co­vers all types of film-related topics: not only the relatively brief film review, or the usual star propaganda, but she also reflects on interesting aspects from the study of film reception, film aesthetics, the work of directors and writers, the behaviour of audiences in the cinema theatre, or the work of film critics. The latter turns Carmen Prada one of the main references of film criticism in Madrid and a fundamental agent to understand that complex segment of film historiography which is the study of film reception.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-05-03","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"49501513","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"La imagen del judío en el cine español","authors":"Asher Salah","doi":"10.15366/SECUENCIAS2017.46.004","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/SECUENCIAS2017.46.004","url":null,"abstract":"El siglo xx se ha caracterizado por el surgimiento de un nuevo interes en el relevante papel que el judaismo iberico ha desempenado en la historia. Tras el descubrimiento de las comunidades cripto-judias en Portu­gal, el fenomeno converso y la diaspora sefardi han llamado mucho la atencion, tanto a nivel de la investi­gacion academica como de la opinion publica. Esto ha resultado en la formacion de diferentes estereotipos sobre el «caracter» del judio iberico o en lo que toca a la «singularidad» de la historia judia peninsular. Aun cuando la exactitud no es imprescindible en la representacion cinematografica de los acontecimientos historicos, las peliculas constituyen una fuente inestimable para comprender este aspecto particular del imaginario colectivo. Sin embargo, con la destacada pero obsoleta excepcion de Rafael de Espana (1991) y a un punado de referencias a judios en ensayos sobre la etnicidad y el antisemitismo en el cine ibero-americano, la imagen de los judios y del judaismo en el cine espanol no ha sido objeto de ningun estudio especifico. Este articulo se propone analizar diacronicamente algunas de las imagenes mas comunes sobre la experiencia judia en Espana, entre las cuales destaca la fascinacion del Septimo Arte por la historia y las leyendas de la Inquisicion, que representan casi un sub-genero cinematografico en si mismo. El corpus examinado incluye cuarenta y seis largometrajes de ficcion que tratan de la presencia de personajes judios en el cine espanol de 1915 hasta hoy.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-05-03","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"46670499","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Homosexual Desire Displayed in El lugar sin límites, by Arturo Ripstein / Visualizaciones del deseo homosexual en El lugar sin límites, de Arturo Ripstein","authors":"Dieter Ingenschay","doi":"10.31819/9783954878291-009","DOIUrl":"https://doi.org/10.31819/9783954878291-009","url":null,"abstract":"El siguiente artículo analiza la película El lugar sin límites (1977) de Arturo Ripstein, basada en la novela homónima de José Donoso (1966). Ambas obras se conocen como ejemplos tempranos de un discurso sobre la homosexualidad dentro de las sociedades homófobas latinoamericanas de la era antes de Foucault. Su meta es mostrar las diferencias específicas «esenciales» entre la novela y la película con respecto al tema de los problemas de género y del deseo homosexual en particular. Cuando Ripstein pidió el guión a Manuel Puig, quería ganar la colaboración de una voz «auténticamente» gay, pero más tarde Puig no reconoció su autoría. Las dos obras disponen de técnicas específicas para visualizar la «perturbación de géneros», a saber: métodos gramaticales en el caso de la novela, y el uso de colores simbólicos en el caso de la película. Ésta última muestra, más claramente que la novela, el carácter performativo del género. Aunque la película aborda cuestiones como la homofobia, la represión y los inicios de una liberación sexual –y por ello podría relacionarse con el popular cine de fichera–, su principal logro es mostrar, de manera consciente e inédita, el proceso emancipatorio de un gay, travesti en este caso. Si hay una persona «trágica» en esta película, ya no es La Manuela, el travesti, sino Pancho, el macho y homosexual.Palabras clave: Ripstein, Donoso, El lugar sin límites, homosexualidad en Latinoamérica, Gender Trouble (perturbación de género) en Latinoamérica, homofobia en Latinoamérica, emancipación gay en Latinoamérica.AbstractThe following article analyzes Arturo Ripstein’s film El lugar sin límites (1977), based on José Donoso’s homonymous novel (1966). Both are well-known early examples of a fictional discourse on homosexuality within the homophobic Latin American societies of pre-Foucauldian times. Its aim is to show the specific «essential» difference between the novel and the film with respect to thematizing gender problems (and in particular homosexual desire). When asking Manuel Puig to write the movie’s script, Ripstein wanted to win an «authentic» gay voice in order to treat the problematic taboo of homosexuality in an adequate way, but later Puig disavowed his authorship of the script. Both the novel and the film dispose of special techniques of writing respectively visualizing «gender trouble», namely grammatical resources in the case of the novel, symbolic colours in case of the film. Much more clearly than the novel, the film shows the performative character of gender. By bringing homophobia, repression and possible liberation onto the screen, Ripstein’s film, although it may be related to the popular cine de fichera, is the first one to seriously consider something like an emancipatory process of a gay person, a proud transvestite in this case. If there is a «tragic» figure in this film, it is not La Manuela, the transvestite, but rather the macho Pancho (repressing his gay desire).Keywords: Ripstein, Donoso, El lugar sin lí","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"69503019","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Mujer y melodrama familiar. Una revisión del género en Mi vida sin mí, de Isabel Coixet / Woman and Family Melodrama. My Life Without Me (Isabel Coixet) as a Gender/Genre Revision","authors":"Beatriz Herrero Jiménez","doi":"10.15366/secuencias2011.34.003","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.34.003","url":null,"abstract":"El melodrama clásico, mal entendido como Woman´s Film, construye en la mayoría de sus relatos clásicos a la mujer como significante de pasividad y renuncia. Desde los estudios de género, y más concretamente desde la teoría fílmica feminista, se ha analizado exhaustivamente un subgénero cinematográfico que se entiende como fundamental, ya que saca a la luz las restricciones que les son impuestas a las mujeres en la sociedad patriarcal en general y más concretamente en la institución familiar. Mi vida sin mí (Isabel Coixet, 2003) se enmarca, en apariencia, dentro del corte clásico del subgénero melodramático familiar para subvertir, después, sus propias convenciones. Isabel Coixet se desmarca conscientemente de la identificación masoquista que proporciona el melodrama a la espectadora, critica la representación clásica de la mujer y se aleja de la oposición predominante en el cine entre maternidad-sexualidad. La directora española construye una mujer como sujeto múltiple, contradictorio y en progreso que no se conforma con proponer vías de resistencia a las imposiciones patriarcales, y que no reduce su identidad a la faceta maternal. La mujer del melodrama de Coixet es útil en tanto modelo de identificación diegético y extradiegético para la organización de un nuevo sistema –social, cinemático, etc.– que no ponga sus bases en el binomio dominación-sumisión. Haciendo esto, Isabel Coixet expande los límites del melodrama hasta el terreno del feminismo.Palabras clave: melodrama familiar, Woman´s Film, Women´s Cinema, género, maternidad, patriarcado, espectatoriedad, sexualidad, feminismo.AbstractClassic melodrama, misunderstood as `Woman´s Film´, has usually intented to build women as a signifier of passivity and resignation. Gender Studies, and more specifically Feminist Film Theory, have exhaustively analyzed a subgenre which is understood as an essential one to their aim: family melodrama brings to light the restraints that patriarchal system –an d the family institution – have imposed on women. My Life without Me (Isabel Coixet, 2003) is apparently produced inside the classic mode of the family melodrama when, indeed, it undermines and extends the limits of its own conventions. Isabel Coixet consciously subverts the masochistic identification the melodrama provides to the female spectator, criticizes the woman´s classic representation and turns upside-down the main film opposition: sexuality-motherhood. Woman, as a multiple, contradictory and «always-in-progress» subject, is built by the Spanish camera-woman, who doesn´t want just to propose ways of resistance to patriarchal impositions and doesn´t reduce the main female character to her maternal role. The woman of the Coixet´s melodrama is useful as a diegetic and extra-diegetic identification model in order to create a new –social, cinematic, etcetera– system which doesn´t ground in the domination-submission relationship. In this way, Isabel Coixet extends the limits of the melodrama to the femi","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993596","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Nuevas perspectivas, nuevas cartografías: de los Gay Studies a la teoría Queer / New Perspectives, New Cartographies: From Gay Studies to the Queer Theory","authors":"Alberto Mira Nouselles","doi":"10.15366/secuencias2011.34.001","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.34.001","url":null,"abstract":"Este texto repasa la confluencia entre trabajo teórico sobre género y estudios sobre cine. En concreto, estudia cómo los paradigmas sobre la homosexualidad afectan el modo en que podemos leer los textos fílmicos. Los paradigmas surgen de la necesidad de dar forma a la realidad y a la experiencia. En el caso de la homosexualidad, las primeras aproximaciones fueron científicas y, según el término de Sedgwick, «minorizadoras»: se aproximaban a la homosexualidad como algo que sólo afectaba a una minoría y que podía distinguirse claramente de la heterosexualidad. Esto tiene repercusiones en la representación durante el periodo clásico. Los estudiosos que se identificaban con este paradigma buscan evidencia de «el homosexual» como una especie. El modelo «gay» fue una respuesta minorizadora a propuestas que se consideraban como marginalizadoras. En términos de estudios cinematográficos, las aproximaciones a temas gays en España suelen asumir este paradigma. La segunda parte del texto describe cómo las intervenciones teóricas de Eve Kosofsky Sedgwick, Judith Butler y Teresa De Lauretis, con profundas raíces en la filosofía, la historia y el psicoanálisis, cambiaron percepciones sobre cómo leer «homosexualidad» en el cine, dando paso a las aproximaciones «queer».Palabras clave: gay, queer, homosexualidad, género, representación, crítica, académico, Sedgwick, Dyer, Butler.AbstractThis text outlines the confluences between theoretical work on gender and film studies. More specifically, it addresses the way paradigms on homosexuality have affected what we can read into the film text. Paradigms arise from the need to shape reality and experience. In the case of homosexuality, early approaches were scientific and what Sedgwick calls «minoritizing»: they attempted to deal with homosexuality as something affecting only a minority and as something very clearly distinguishable from heterosexuality. This has consequences in representation on screen during the classic period. Film academics who place themselves in this paradigm find actual evidence of «the homosexual». The «gay» model was the minoritizing response to proposals considered as marginalizing. In terms of film studies most of the approaches to gay issues in Spain still assume this paradigm. The second part of the text deals on how theoretical interventions from the early nineties by Eve Kosofsky Sedgwick, Judith Butler and Teresa De Lauretis, with strong roots in philosophy, psychoanalysis and history, changed perceptions on how to read «homosexuality» in film, giving rise to «queer» approaches.Keywords: gay, queer, homosexuality, gender, representation, criticism, academia, Sedgwick, Dyer, Butler.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993532","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Héroes, machos o, simplemente, hombres: una mirada a la representación audiovisual de las (nuevas) masculinidades / Heroes, Machomen or, Just Men: A Look at the Audiovisual Representation of the (New) Masculinities","authors":"Francisco A. Zurian Hernández","doi":"10.15366/secuencias2011.34.002","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.34.002","url":null,"abstract":"El presente texto indaga en la evolución de la representación de los hombres en el audiovisual (cine y televisión) y cómo dicha representación ha evolucionado desde las representaciones del macho patriarcal a representaciones de nuevas masculinidades, fuera de la influencia de la ideología patriarcal, plurales, no universalistas y con nuevos modelos de hombres.Palabras clave: género, hombres, masculinidades, audiovisual, cine, televisión.AbstractThis text analyzes the representation of men in the cinema and television, paying special attention to the ways in which it has evolved since the `patriarchal macho´ to the new types of masculinity; the latest, a new concept far from the influence of the patriarchal ideology, being plural, concrete and proposing new models of men.Keywords: gender, men, masculinities, audiovisual, cinema, television.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993581","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"El silencio del monstruo: imagénes espectrales en el cine de terror americano de comienzos del sonoro / Silence of the Monster. Ghostly Images in American Horror Film at the Beginning of Sound","authors":"Roberto Cueto","doi":"10.15366/secuencias2011.33.001","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.33.001","url":null,"abstract":"Drácula y El doctor Frankenstein inauguraron en 1931 la producción de cine de terror en el cine sonoro al presentar a dos de los iconos por excelencia del género. Sin embargo, al ser películas producidas en el período de transición del cine mudo al sonoro, hacen gala de una característica especial que las diferencia notablemente de la posterior producción terrorífica de Hollywood: la presentación de la monstruosidad sin el recurso de la música extradiegética, lo que genera en la narración un efecto de «agujero» de silencio. En posteriores producciones de cine de terror se intentará paliar estos lapsos de silencio con el empleo de la música extradiegética o ciertos efectos de sonido, lo que parece indicar que, para la norma del cine clásico americano, eran defectos que debían ser corregidos. El siguiente ensayo tiene como objeto subrayar cómo esa llamativa presencia del silencio confiere a la representación de la monstruosidad cierta cualidad de «imágenes espectrales» o «cuerpos siniestros» que el cine de Hollywood prefirió evitar. Por otra parte, se analizará también por qué fue tan importante para el cine clásico americano el empleo de la música extradiegética, ya que cumplía una serie de funciones necesarias para sus estrategias narrativas: una mayor implicación del espectador, una adscripción a los códigos del género terrorífico y un efecto de «tridimensionalidad» aplicado a las imágenes bidimensionales.Palabras clave: música cinematográfica, cine de terror, sonido cinematográfico, transición del cine mudo al sonoro.AbstractDracula and Frankenstein, both released in 1931, inaugurated the production of horror films in Hollywood when they presented the two greatest icons of the genre. As films produced in the transitional period from silent to sound film, both showcase special features that distinguished them from posterior horror films in Hollywood: the introduction of the monstrosity without extra-diegetic music or sound effects generated the appearance of certain «holes of silence» in the film narrative. In subsequent years, these lapses of silence were hidden with music or sound effects, which indicates that they had to be corrected for the standards of classic American film. The following essay tries to analyze how the silence transforms these icons of monstrosity into the sort of «ghostly images» or «uncanny bodies» which Hollywood films preferred to avoid. On the other hand, the importance of extra-diegetic music in Hollywood film also will be analyzed for the specific narrative functions it carried out: a greater involvement of the viewer, the incorporation of the film into the codes of the horror genre and an effect of «tridimensionality» applied to two dimensional images.Keywords: film music, horror film, sound in film, transition from silent to sound.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993034","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Condenados de Manuel Mur Oti (1953): Lorca en Castilla / Condenados by Manuel Mur Oti (1953): Lorca in Castille","authors":"Nekane E. Zubiaur Gorozika","doi":"10.15366/secuencias2011.33.004","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.33.004","url":null,"abstract":"Condenados, tercer largometraje del cineasta gallego Manuel Mur Oti, es un apasionado drama rural que narra la historia de un sangriento triángulo amoroso. Pese a tratarse de la adaptación de una obra teatral de José Suárez Carreño, el análisis fílmico de la película, articulado en torno a la puesta en escena de las miradas de sus protagonistas, revela que en realidad el filme solo guarda relación argumental con l a obra original, centrada en el concepto calderoniano de la honra. Mur Oti depura todos los componentes sociales, religiosos y psicológico s del texto de Suárez Carreño para poner en escena un relato mítico, una cosmogonía temáticamente vinculada al resto de dramas rurales firmados por el autor, sobre el hombre y la mujer primigenios de naturaleza esencialmente fecunda. Un relato más estrechamente emparentado con el espíritu de la tragedia lorquiana que con el tradicional drama rural que le sirve de base en tanto que Aurelia, protagonista femenina de Condenados, se nos presenta como heredera directa de la Yerma de Lorca, dispuesta a sacrificar de manera irracional su propia naturaleza por mantener un matrimonio que el destino le ha otorgado, pese a que ello suponga la condena a la eterna esterilidad.Palabras clave: Condenados, Mur Oti, Suárez Carreño, Lorca, Yerma, drama rural.AbstractCondenados, Manuel Mur Oti’s third film, is a passionate rural drama which depicts a bloody love triangle. Although based upon a play by José Suárez Carreño, the analysis of the mise en scène reveals that, in fact, the film adaptation shares only the original plotline dealing with the traditional concept of honour. Mur Oti purges every social, religious or psychological element from Suárez Carreño´s text and stages, like in his other rural dramas, a mythical tale, a cosmogony about the primordial and essentially fertile male and female. The film is closer in spirit to Lorca’s tragedy than to the play it adapts since Aurelia , the protagonist of Condenados, is portrayed as Yerma´s reflect ion: a woman irrationally ready to sacrifice her own female essence in order to save the marriage she´s been given by fate, even if such a decision condemns her to eternal infertility.Keywords: Condenados, Mur Oti, Suárez Carreño, Lorca, Yerma, rural drama.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993255","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Comedia romana y ficción televisiva: Plauto y la Sitcom / Roman Comedy and TV Fiction: Plautus and Sitcom","authors":"Rosario López Gregoris, L. Unceta Gómez","doi":"10.15366/secuencias2011.33.005","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2011.33.005","url":null,"abstract":"Este trabajo ofrece un análisis comparativo de las características propias de la comedia palliata de Plauto (comediógrafo romano del siglo II a.C.) y de los elementos definitorios de la sitcom, género televisivo de gran aceptación popular. A través de este planteamiento, los autores pretenden poner de manifiesto la existencia de una tradición cómica que, de forma continua, ha ido transmitiendo una serie de rasgos sin conciencia de su origen remoto. Desde esta perspectiva, la sitcom permite explicar con un enfoque contemporáneo el rotundo éxito que en su momento gozó la comedia plautina y, a la inversa, ciertos patrones compositivos del teatro antiguo dan la pauta para entender la gran influencia del fenómeno televisivo que supone la sitcom.Palabras clave: Plauto, comedia palliata, cultura popular, sitcom, recepción, cultura clásica.AbstractThis paper offers a comparative analysis of the features of fabula togata by Plautus, a Roman writer of comedies of the 2nd century, and the defining characteristics of the successful TV genre, the sitcom. Using this approach, the authors aim to demonstrate the existence of a continuous tradition through which several comical features have been transmitted, without consciousness of their distant origin. Thus, the sitcom offers us an explanation, from a contemporary point of view, for the resounding success of the Plautinian comedy. Conversely, several composite elements of ancient theatre provide us with the key to understanding the reasons behind the great influence of the sitcom as a TV phenomenon.Keywords: Plautus, palliata, popular culture, sitcom, reception, classical culture.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-09-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993404","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Disparos en el ghetto: en torno a la migración de la imágenes de archivo / Shooting in the Ghetto. On the Migration of Film Footage","authors":"Vicente Sánchez-Biosca","doi":"10.15366/secuencias2012.35.002","DOIUrl":"https://doi.org/10.15366/secuencias2012.35.002","url":null,"abstract":"En 2010, un documental germano-israelí –A Film Unfinished– recuperaba enigmáticos planos rodados por un equipo de cineastas alemanes (Propaganda Kompanien) en el ghetto de Varsovia durante la primavera de 1942. Una porción considerable de estos planos que el Ministerio de Propaganda de Goebbels decidió no utilizar por confusas razones ya había circulado profusamente en films anteriores, desde los años 50. Depositados en los archivos de la DEFA, habían sido utilizados a contrario en primer lugar por cineastas de la RDA y de la DDR: tratando de denunciar a sus autores. Dicho de otro modo, las imágenes llamadas a denigrar a los judíos servían para denunciar a sus autores, convirtiéndose en eficaz arma del antifascismo. También Frédéric Rossif acudió a ellas en Le temps du ghetto. El presente ensayo analiza las estrategias de apropiación de este material bruto en distintas épocas en relación con las premisas estéticas, éticas, políticas de distintos autores y movimientos para concluir sobre la forma de representar víctimas tomando como fuente la imagen producida por el odio de sus enemigos. Así, se pasa revista a su montaje, su aligeramiento, su relación con testimonios vivos, su conducción a través de una voice over narration, entre otras cosas.Palabras clave: Documental de apropiación, imagen de archivo, migración de imágenes, cinee historia, ghetto de Varsovia, cine nazi.AbstractIn 2010, a German-Israeli documentary entitled A Film Unfinished recovered some enigmatic footage shot by a team of German filmmakers (Propaganda Kompanien) in the Warsaw ghetto during the spring of 1942. A considerable portion of these shots had circulated widely in previous films from the 50s, even though the Minister of Propaganda, Joseph Goebbels, decided not to use them for confusing reasons. Shelved in the DEFA archives, they were used by anti-nazi film makers to denounce their authors. In other words, these images called to denigrate Jews served to denounce the perpetrators, becoming an effective weapon of anti-fascism. Frederic Rossif also assisted them in Le temps du ghetto. This paper analyzes the strategies of appropriation of such raw material at different periods of film history in regard with the aesthetic, ethical, and political attitudes in order to conclude on how to represent victims using as source the image produced by the hatred of their enemies. In this sense, the essay looks into the composition, the editing and especially the relationship these shots entertain with other strategies such as the living testimonies, and the use of the voice over narration.Keywords: re-apropiation in documentary, film footage, migration of images, cinema and history, Warsaw ghetto, Nazi cinema.","PeriodicalId":32238,"journal":{"name":"Secuencias","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2016-08-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66993364","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}