Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical最新文献

{"title":"“Wie ein Naturlaut”: La representación musical del paisaje como desafío a la teoría de los tópicos","authors":"Paulo F. de Castro","doi":"10.59180/29525993.a9859250","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a9859250","url":null,"abstract":"En este artículo discuto algunas cuestiones conceptuales relacionadas con la teoría de los tópicos y, en particular, los problemas que plantea la distinción hecha por Raymond Monelle entre tópicos propiamente dichos e iconos musicales. Mi principal presupuesto es que, por regla general, el pictorialismo musical participa de la naturaleza retórica de la representación musical y tiende a desarrollar sus propias continuidades y transformaciones tópicas a lo largo de la historia. Como estudio de caso, ofrezco un examen de la pieza de Wagner conocida como “Waldweben” –de Siegfried, Acto II–, centrándome en algunos de sus aspectos morfológicos –melódico, armónico, rítmico, tímbrico, textural– y en las dimensiones intertextuales de su modo de representación del paisaje natural. Llamo la atención tanto sobre sus precedentes como sobre su posteridad, en ejemplos seleccionados de obras francesas, alemanas y rusas de finales del siglo XIX y principios del XX. Este enfoque intertextual permite la identificación de un tópico recurrente peculiar –designado aquí como tópico de “paisaje sonoro”– que puede considerarse como un elemento bien establecido del vocabulario retórico de gran parte de la “música de la naturaleza” de la época. Este jugó un papel importante en la reconfiguración de la temporalidad musical más allá de sus implicaciones retóricas, al disolver la oposición de fondo y primer plano, y al neutralizar el potencial de una lógica musical evolutiva/narrativa según el modelo clásico-romántico.\u0000Palabras clave: teoría de los tópicos, icono musical, intertextualidad, pictorialismo, temporalidad, paisaje\u0000AbstractIn this article, I discuss some conceptual questions relating to topic theory, and in particular the problems raised by Raymond Monelle’s distinction between topics proper and musical icons. My main presupposition is that, as a rule, musical pictorialism partakes of the rhetorical nature of musical representation and tends to develop its own topical continuities and transformations throughout history. As a case study, I offer an examination of Wagner's piece known as “Waldweben”—from Siegfried, Act II—, focusing on some of its morphological aspects melodic, harmonic, rhythmic, timbral, textural—and the intertextual dimensions of its mode of representation of the natural landscape. I draw attention both to its precedents and its posterity, in selected examples from works by French, German, and Russian composers of the late 19th and early 20th century. This intertextual approach allows the identification of a peculiar recurring topic—designated here as a “soundscape” topic—that can be regarded as a well-established element of the rhetorical vocabulary of a great deal of “nature music” of the period. The topic played an important role in the reconfiguration of musical temporality beyond its rhetorical implications, by dissolving the opposition of background and foreground, and neutralizing the potential of a developmental/narrative musical logic aft","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"36 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"138983503","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"El Cajón del Mariachi: Schemata of a Vernacular Genre","authors":"Luis Zambrano, Amy Bauer","doi":"10.59180/29525993.a8020679","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a8020679","url":null,"abstract":"AbstractMariachi music has long been recognized as a—perhaps the—central genre of vernacular music in Mexico, with scattered academic studies investigating its ties to Mexican culture, myth, and national identity. But the music itself, still propagated largely through oral instruction, has received little attention. Good Mariachi practice is based on a holistic model of performance that includes a prescribed repertoire of bass lines, harmonic changes, meters, forms, and instrumental voicings that operate in synchrony. Despite having coalesced around distinct regional styles both within and outside of Mexico, the musical tradition of Mariachi rests on select formal principles drawn from the Mexican Ranchera, Mexican Son and the historic instrumentation of trumpet, violin, vihuela/ guitar, and guitarrrón, transmitted primarily through aural instruction. This makes Mariachi an ideal case study for unique schema prototypes inspired by Robert Gjerdingen’s Music in the Galant Style and modeled on foundational examples in the core Mariachi repertoire known as Cajón. These archetypes incorporate specific harmonic motions, bass patterns, and instrumental voicings within a single, well-defined unit. We will also address the practice of marrying instrumental performance practice to vocal delivery and describe how those units shape larger musical narratives. We further address these paradigms as they shape repertoire expansion and the expression of regional style within other genres of Norteño music. \u0000Keywords: Mariachi, Cajón, schema theory, Ranchera, Norteño \u0000ResumenSe ha reconocido al mariachi durante mucho tiempo como un género –quizás el género– central de la música vernácula en México, con estudios académicos dispersos que investigan sus vínculos con la cultura, el mito y la identidad nacional mexicana. Sin embargo, la música en sí, que aún se transmite en gran medida a través de la instrucción oral, ha recibido poca atención. La buena práctica del mariachi se basa en un modelo holístico de interpretación que incluye un repertorio determinado de líneas de bajo, cambios armónicos, compases, formas y disposiciones instrumentales que operan en sincronía. A pesar de haberse consolidado alrededor de estilos regionales distintos tanto dentro como fuera de México, la tradición musical del mariachi se basa en principios formales preferidos y extraídos de la ranchera mexicana, el son mexicano y la instrumentación histórica para trompeta, violín, vihuela/guitarra y guitarrón, transmitidos principalmente a través de la instrucción aural. Todo esto significa que el mariachi es un caso de estudio ideal para prototipos únicos de esquemas, inspirados en Music in the Galant Style de Robert Gjerdingen y modelados a partir de ejemplos fundamentales en el repertorio central del mariachi conocido como Cajón. Estos arquetipos incorporan movimientos armónicos específicos, patrones de bajo y disposiciones instrumentales dentro de una unidad clara y bien definida. También abo","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"217 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"138983915","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Reseña: Congreso Internacional Tópicos en la música hispana: siglos XVIII-XXI. Valladolid, 20-22 de octubre de 2022.","authors":"Carlos Gutiérrez Cajaraville","doi":"10.59180/29525993.r2571026","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.r2571026","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"86 12","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"138983605","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"El modo dórico en el flamenco: La teoría musical al servicio de la ideología","authors":"R. Bäcker","doi":"10.59180/29525993.a3900618","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a3900618","url":null,"abstract":"Entre los elementos musicales más característicos del flamenco se encuentra el modo frigio, máximo responsable a nivel auditivo del carácter exótico que se suele atribuir al género. Este modo, en algunas publicaciones puntuales, pero muy influyentes desde la segunda mitad del siglo XX, fue re-bautizado como “modo dórico” o “modo dórico flamenco”. El presente articulo pretende arrojar luz sobre las referencias de esta re-interpretación en fuentes de la Antigüedad clásica, donde se encuentran las raíces de la relación entre la estructura musical y el uso terminológico. Mediante un análisis de carácter semiótico se esbozará un conjunto de denotaciones y connotaciones que reflejan dicotomías fundamentales en la construcción de identidades occidentales y orientales. Estas dicotomías se encuentran también en la creación de un imaginario español y, por extensión, del flamenco desde la segunda mitad del siglo XVIII. Desde las primeras consideraciones del flamenco por parte de la intelectualidad española a finales del siglo XIX, se aprecia una voluntad de relativizar sus asociaciones incómodas y enfatizar sus aspectos tradicionales, artísticos y especialmente históricos. Éstas, a su vez, servían de fundamento para que una parte de la flamencología realizase la descrita re-interpretación del modo frigio como dórico. Finalmente se situará la re-interpretación en su contexto ideológico de la segunda mitad del siglo XX, con respecto tanto a la estética flamenca como al trasfondo histórico-político. \u0000Palabras clave: flamenco, frigio, dórico, semiótica, ideología \u0000AbstractThe Phrygian mode appears amongst flamenco’s most characteristic musical elements, responsible for the exotic character often attributed to the genre. This mode was re-named “Dorian mode” or “Dorian flamenco mode” in some of the most influential publications since the second half of the 20th century. The present article pretends to shed some light on the references of this re-interpretation in the classical Antiquity, where the roots of the link between musical structure and terminology can be found. By means of a semiotical analysis, a sketch of a group of connotations and denotations will be made which reflect fundamental dichotomies for the construction of Western and Eastern identities. These dichotomies can also be found in the creation of a Spanish and, by extension, flamenco imagery since the second half of the 18th century. Beginning at flamenco’s first mention by Spanish intellectuals at the end of the 19th century, a will to play down embarrassing associations and emphasize traditional, artistic and especially historical aspects can be observed. These, in turn, served a part of modern flamencology as a basis for the above described re-interpretation of the Phrygian mode as Dorian. Finally, the resulting discourse is explained in the ideological context of the second half of the 20th century, with respect to flamenco aesthetics as well as the historical-political background. \u0000Keywords","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"58 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"138983764","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"La prosodia como fuente de inspiración en la composición, análisis de dos obras propias: I Have a Dream y Romancero gitano","authors":"Manuel Martínez Burgos","doi":"10.59180/29525993.a3428988","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a3428988","url":null,"abstract":"Este artículo explora la noción de prosodia y su relación con la composición musical. El estudio lingüístico de la prosodia se ocupa de la energía, los ritmos y las entonaciones de los patrones del habla y cómo estos impactan en el significado de las expresiones. Está claro que hay correspondencias considerables entre los elementos prosódicos del lenguaje –sus ritmos, acentos y entonaciones– y la música; la prosodia es, con mucho, el elemento del lenguaje más cercano al sonido musical –en oposición al significado semántico o incluso pragmático–. El estudio de la prosodia revela muchas de las características del estado emocional o expresivo de un hablante, del mismo modo que inferimos el contenido emocional de la música a partir de la interpretación de una obra. ¿Qué hay de la relación entre prosodia y composición? El vínculo entre la prosodia y la composición musical ha sido muy significativo en momentos particulares de la historia, pero faltan estudios completos sobre esta conexión. Este artículo tiene como objetivo abordar esta falta de investigación tomando como punto de partida el análisis de mi propia obra. Con estas ideas en mente ofrezco una visión general de las conexiones entre la prosodia y la composición musical, y examino algunos trabajos psicolingüísticos actuales sobre el tema. A continuación reflexiono sobre mi enfoque compositivo utilizando la prosodia como fuente de inspiración en dos obras propias: I Have a Dream para oboe solo y Romancero gitano para pianista-recitador. Cierro el artículo con unas reflexiones finales. \u0000Palabras clave: análisis, composición, Federico García Lorca, Manuel Martínez Burgos, I Have a Dream, Romancero gitano \u0000Prosody as a source of inspiration in composition, analysis of two 0wn pieces: I Have a Dream and Romancero gitano \u0000AbstractThis article explores the notion of prosody and its relationship to musical composition. The linguistic study of prosody is concerned with the energy, rhythms and intonations of speech patterns, and how these impact on the meaning of utterances. It is clear that there are considerable correspondences between the prosodic elements of language—its rhythms, stresses, and intonations—and music; it is by far the closest element of language to musical sound—as opposed to semantic or even pragmatic meaning. The study of prosody reveals many of the features of any speaker's emotional or expressive state, in the same way that we infer emotional content in music from the performance of a work. But what of the relationship between prosody and composition? The link between prosody and musical composition has been very significant at particular moments in history yet there is a lack of any thorough scholarship on this connection. This article aims to address this research gap taking two of my pieces as a starting point. With these ideas in mind, I provide an overview of the connections between prosody and music composition, and examine some current psycho-linguistic work on the subject.","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"38 35","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139011903","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Misreading Revueltas: Polysemy and the Second String Quartet","authors":"Chelsea Burns","doi":"10.59180/29525993.a0121888","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a0121888","url":null,"abstract":"Abstract\u0000Silvestre Revueltas’s Second String Quartet premiered in Mexico City 1931, and was played a year later at Aaron Copland’s Yaddo Festival in Saratoga Springs. When Copland heard the work, he described it as “very amusing... a little Mexican drama, and I could easily imagine it being danced.” Copland’s description treats the quartet as a unified whole that all functions seamlessly under a US gaze. But he missed many elements of the music—most glaringly, the canción that forms the primary theme (and also subtitle) of the first movement, “Los Magueyes.” Copland’s essentializing take was common for Revueltas reception: critics highlighted his supposed naturalness and naiveté, thereby minimizing Revueltas’s labor and skill and denying the full range of musical features, which are by no means limited to sounds associated with “Mexicanness.” This article explores several alternative analytical interpretations, focusing especially on strategic alterity and composerly ambivalence. These frames, strategic alterity and ambivalence, both embody multiplicity: ambivalence is structured by multiple feelings or ideas in tension, an experience of contradiction. And strategic alterity involves a composer undermining some aspect of themselves to meet others’ expectations. Both implicate multiple interpretive possibilities. Polysemic readings require acknowledgement of analysis as incomplete, in progress or shifting. These multiple understandings defy some of music analysis’s deepest impulses: clarity, truth, and a unified explanatory power. This article leans into this incomplete status, with an aim of re-examining assumptions and attending to a different set of musical meanings.\u0000Keywords: musical modernism, strategic alterity, ambivalence, Mexico, Aaron Copland, United States, Carlos Chávez\u0000Malinterpretando a Revueltas: Polisemia y el Cuarteto de cuerda nº 2\u0000Resumen\u0000El Cuarteto de cuerda nº 2 de Silvestre Revueltas se estrenó en Ciudad de México en 1931 y se interpretó un año más tarde en el Yaddo Festival de Aaron Copland en Saratoga Springs. Al escuchar la obra, Copland la describió como “muy entretenida… un pequeño drama mexicano, me lo puedo imaginar fácilmente bailado”. La descripción de Copland trata el cuarteto como un todo unificado que funciona perfectamente bajo la mirada estadounidense. Pero no detectó muchos elementos musicales –sobre todo la canción que da lugar al tema principal del primer movimiento, “Los Magueyes”–. La interpretación culturalmente estereotipada de Copland es típica en la recepción de Revueltas: los críticos resaltaban la supuesta naturalidad e inocencia, minimizando el esfuerzo y la habilidad de Revueltas e ignorando el abanico completo de características musicales, que van mucho más allá de sonidos asociados a la “mexicanidad”. Este artículo investiga varias interpretaciones analíticas alternativas, centrándose en la alteridad estratégica y la ambivalencia compositiva. Estos marcos de referencia incorporan la multiplicidad","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"10 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"122533109","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Dos aspectos poco discutidos en la percepción de progresiones armónicas","authors":"Ivan Jimenez","doi":"10.59180/29525993.a9378287","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a9378287","url":null,"abstract":"Nuestro grupo de investigación cognitiva musical en la Universidad de las Artes Helsinki ha investigado durante varios años la percepción de progresiones armónicas. En este artículo resumo nuestros experimentos y propongo conexiones entre este trabajo y la educación auditiva musical. Nuestra investigación se ha centrado en dos aspectos poco estudiados en el pasado: la influencia de la memoria específica y de las características extra-armónicas –como el timbre y la textura– en la percepción armónica. Después presento dos propuestas pedagógicas inspiradas por los resultados de nuestros experimentos. Primero, propongo que las características extra-armónicas se deberían discutir más en el aula; esta discusión es más fácil de integrar con el currículo existente cuando la armonía y las características extra-armónicas se discuten simultáneamente. Segundo, sugiero que los docentes deberían discutir con sus alumnos la posibilidad de que las progresiones de acordes no se almacenen en la memoria auditiva a largo plazo independientemente de sus características extra-armónicas. De acuerdo con esta propuesta, algunos conceptos básicos como las funciones armónicas pueden constituir una teoría musical sugestiva, un tipo de escucha entre muchas otras. Propongo que dos teorías de la memoria armónica –memoria de eslabones verídicos y memoria esquemática superficial– pueden explicar cómo generar expectativas sin recurrir al concepto de función armónica. Finalmente, explico cómo la idea de las funciones armónicas a modo de teoría musical sugestiva puede influir en el dictado armónico y la forma en que la música se presenta y analiza en el aula.\u0000Palabras clave: progresiones armónicas, memoria musical, percepción musical, enseñanza musical\u0000Two rarely discussed aspects of the perception of chord progressions\u0000Abstract\u0000Our music cognition research group at the University of the Arts in Helsinki has studied the perception of chord progressions for several years. In this article, I summarize our studies and suggest connections between this work and undergraduate aural skills pedagogy. Our research has focused on two aspects that have received little attention in the past: the influence of specific memory and extra-harmonic features—such as timber and texture—in harmonic perception. In this article, I present two pedagogical proposals inspired by the results of our studies. First, I suggest that extra-harmonic characteristics deserve more attention in the classroom, and that their integration in the curriculum would be easier if harmony and extra-harmonic features were discussed simultaneously. Second, I suggest that teachers should discuss with their students the possibility that chord progressions are not stored in aural long-term auditory memory independently from their extra-harmonic features. According to this suggestion, certain basic concepts such as formal functions may constitute a suggestive music theory, one way of hearing among many. I propose that two theories o","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"1 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"133510293","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"La teoría de la música como intersección entre el análisis armónico y la teoría de números: Pasos hacia una integración disciplinar","authors":"","doi":"10.59180/29525993.a5029681","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a5029681","url":null,"abstract":"En la música, las nociones de materia, energía y tiempo se sintetizan en juegos de simetría y periodicidad a través del pulso y del ritmo –y silencios como modificadores suyos, por supresión y énfasis–, cuyas composiciones producen complejidad en sucesivos órdenes de autoconstrucción: colecciones tonales, melodías, acordes, texturas, timbres, masas, formas y estilos a lo largo de épocas. En la física, el pulso y el ritmo son descritos por analogías cuánticas, moleculares, cristalinas, gravitatorias, dinámicas y aun caóticas, tratadas bajo modelos matemáticos: objetos, cantidades, matrices, vectores, funciones, campos y operadores. En cierto modo, si se habla de análisis armónico –señales y ondas y de teoría de números –en los distintos niveles de la aritmética–, es necesario especificar un área de especialización: física, música o matemáticas, con particularidades propias para cada una de ellas. No obstante, la música participa de este conocimiento como una intersección donde las pruebas físicas entran en consonancia con la modelación matemática. La teoría de la música es, de hecho, una tradición que abarca estudios cognitivos y epistémicos que reflejan las cualidades de dicha intersección; por lo que su estudio ayuda a entender el modo en que el análisis armónico y la teoría de números se comunican. Este trabajo postula cómo la música tiene a la vez capacidades referentes, expresivas y simbólicas, pero también propiedades de un metalenguaje inter-aglutinante especial. La mayor atención se enfoca en explicar sus fundamentos teóricos para valorarlos en convergencia con los fundamentos del análisis armónico y la teoría de números.\u0000Palabras clave: análisis armónico, Fourier, teoría de números, geometría, números primos\u0000Music theory as an intersection domain between harmonic analysis and number theory: Towards a disciplinary integration\u0000AbstractIn music, the notions of matter, energy and time synthesize in games of symmetry and periodicity through pulse and rhythm—and silences as their modifiers, by suppression and emphasis—, whose compositions produce complexity in successive orders of self-construction: tonal collections, melodies, chords, textures, timbres, masses, forms and styles throughout epochs. In physics, pulse and rhythm correspond to quantum, molecular, crystalline, gravitational, dynamic, and even chaotic analogies, treated under mathematical models: objects, quantities, matrices, vectors, functions, fields, and operators. In a way, if we are talking about harmonic analysis—signals and waves—and number theory—at the different levels of arithmetic—, it is necessary to specify an area of specialization: physics, music or mathematics, with their own particularities for each one of them. However, music participates in this knowledge as an intersection where physical evidence is in line with mathematical modeling. Music theory is, in fact, a tradition that encompasses cognitive and epistemic studies that reflect the qualities of that intersec","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"45 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"134584260","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Una base empírica para la historia de la interpretación musical: Segovia y Bream en la segunda mitad del siglo XX","authors":"Ana Llorens","doi":"10.59180/29525993.a0741092","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.a0741092","url":null,"abstract":"La historiografía de la interpretación musical ha tendido a presentar a Andrés Segovia y Julian Bream como figuras opuestas, en su forma tanto de tocar la guitarra como de concebir su repertorio. En esta tarea se ha limitado a reproducir apreciaciones que obvian el sonido de estos dos músicos. De hecho, no sorprende que las grabaciones que ambos hicieron de la Fantasía para un gentilhombre de Joaquín Rodrigo –de 1958 y 1987 respectivamente– sean testimonio de una realidad muy diferente a la escrita. A pesar de exagerar las diferencias entre las duraciones de las notas de algunos motivos, las técnicas agógicas de Segovia parecen responder a una sensibilidad fraseológica, métrica y armónica obviada en la literatura. Por su parte, Bream, que se vuelve más irregular en los pasajes de figuración constante, parece adoptar algunas técnicas de la interpretación históricamente informada. A través del análisis de tempo y duraciones –de pulsos y notas–, este estudio de caso demuestra que un resultado sonoro concreto puede deberse a una compleja red de motivaciones e influencias. En última instancia, este trabajo ejemplifica la necesidad del análisis empírico de la interpretación musical para poder detectar y comprender unos matices que, de otra forma, quedarían silenciados.\u0000Palabras clave: análisis de la interpretación, micro-agógica, rubato, interpretación históricamente informada, Andrés Segovia, Julian Bream, Joaquín Rodrigo\u0000Empirical foundations for the history of music performance: Segovia and Bream in the 2nd half of the 20th century\u0000Abstract\u0000The historiography of musical interpretation has usually presented Andres Segovia and Julian Bream as opposed figures, as regards both their performance styles and their conceptions of the repertoire for the guitar. To that aim it has simply reproduced descriptions that overlook these musicians’ sounds. In fact, it is no surprise that their recordings of Joaquín Rodrigo’s Fantasía para un gentilhombre⁠—respectively from 1958 and 1987—bear witness to a different reality. Despite his exaggeration of the durational differences between the note values in some motifs, Segovia’s agogic resources appear to respond to phraseological, metric, and harmonic preoccupations omitted in the literature. For his part, Bream, who becomes more irregular in constant-figuration passages, seems to adopt some techniques of historically informed performance. Through the analysis of the duration of notes, beats, sentences, and periods in both renditions, this case study demonstrates, thus, that a specific rendition may be the result of a complex web of motivations and influences. Ultimately, it exemplifies the necessity for the empirical analysis of musical performance in order to detect and understand the nuances that would otherwise remain silent.\u0000Keywords: performance analysis, microtiming, rubato, historically informed performance, Andrés Segovia, Julian Bream, Joaquín Rodrigo","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"24 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126852483","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}

{"title":"Editorial: Un nuevo foro para la teoría y el análisis musical","authors":"José L. Besada, Olga Sánchez Kisielewska","doi":"10.59180/29525993.e2288476","DOIUrl":"https://doi.org/10.59180/29525993.e2288476","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":364560,"journal":{"name":"Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical","volume":"46 3-4","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"114046133","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}